UNIVERSIDADE PAULISTA – UNIP

Felipe prado gomes - c16595-6
JOÃO PEDRO MACEDO DORETTO SILVA - C056HH-5
LETÍCIA CARRARO - C1166G-9
LUCAS EDUARDO MENDES GABRIEL - 430770-4
MAÍSA SILVA DE ARAÚJO - C28948-5
PRISCILA DERICO BORGHI - C25AFF-9
VERÔNICA DE SOUZA CAMPOS - C105IC-2

PIM - Projeto Integrado Multidisciplinar
POP ART

CAMPINAS
2014
Felipe prado gomes - c16595-6
JOÃO PEDRO MACEDO DORETTO SILVA - C056HH-5
LETÍCIA CARRARO - C1166G-9
LUCAS EDUARDO MENDES GABRIEL - 430770-4
MAÍSA SILVA DE ARAÚJO - C28948-5
PRISCILA DERICO BORGHI - C25AFF-9
VERÔNICA DE SOUZA CAMPOS - C105IC-2

PIM - Projeto Integrado Multidisciplinar
POP ART

Trabalho realizado através de pesquisa sobre Pop Art, no 1º semestre de Fotografia da UNIP, sob orientação do:
Supervisor Acadêmico: Darci Campioti

CAMPINAS
2014
Sumário

1. o que é pop art 3 1.1. Origem e influências 3 1.2. História 4 1.2.1. América 5 1.2.2. Inglaterra 7 1.2.3. Europa 7 2. os objetivos, a filosofia e os métodos do pop art 8 2.1. Significado imediato 8 2.2. A arte pode ser feita a partir de qualquer coisa 9 2.3. A idéia é mais importante que a arte em si 9 2.4. Um estilo de arte mais relevante e mais inclusivo 10 2.5. Espelhando-se na sociedade 10 3. tendências PÓS MODERNISTAS 11 4. pRINCIPAIS ARTISTAS 11 4.1. Peter Blake 11 4.2. Wayne Thiebaud 12 4.3. Roy Lichtensten 13 4.4. Jasper Johns 13 4.5. Robert Rauschenberg 14 4.6. Andy Warhol 14 5. PRINCIPAIS OBRAS DO POP ART 15 5.1. Andy Warhol 15 5.2. Peter Blake 18 5.3. Wayne Thiebaud 20 5.4. Roy Lichtenstein 22 5.5. Jasper Johns 23 6. LIVRO OBJETO 25 6.1. Proposta 25 6.2. Método 26 7. REFERÊNCIAS BIBLIOGRAFICAS 28

o que é pop art

O termo Pop Art foi inventado pelo inglês Lawrence Alloway, em 1955, para descrever uma nova forma de "arte popular" - um movimento caracterizado pelo consumismo e pela cultura popular.
A Pop Art surgiu tanto em Nova York, quanto em Londres, em meados da década de 1950, e se tornou o estilo de arte dominante até o final dos anos 1960. Caracterizada por imagens do cotidiano e cores vibrantes, a Pop Art trazia um sentimento moderno para arte. Os esquemas de cores brilhantes também permitiam que esse tipo de arte enfatizasse elementos da cultura contemporânea, e ajudaram a diminuir a separação entre artes comerciais e as belas artes.
Foi o primeiro movimento pós-moderno, assim como a primeira escola de arte a refletir o poder do cinema e da televisão, fontes de inspiração de algumas das principais obras do movimento. Outras fontes comuns de inspiração eram propagandas, embalagens de produtos, fotos de estrelas de cinema e outras celebridades e histórias em quadrinhos.
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Origem e influências

Pop Art, como praticamente todos os estilos de arte mais significativos, foi, em parte, uma reação contra o status quo. Na América dos anos 1950, o Expressionismo Abstrato era o estilo de arte dominante, um estilo não figurativo de pintura, que, apesar de admirado pelos críticos e amantes da arte, não tinha uma boa conexão com o público em geral ou com a maioria dos artistas. Muito mais um estilo de pintura, quanto mais abstrato e expressivo se tornava, maior a oportunidade para um novo estilo, que fosse mais figurativo, que atingisse uma maior parcela de artistas e que um maior público pudesse se relacionar. Assim, o Pop Art se tornou um estilo de arte bem estabelecido, só tendo sido substituído por outras escolas a partir dos anos 1970.
De certa forma, o surgimento do Pop Art e sua ascendência sobre o Expressionismo Abstrato foi similar à ascensão do Dadaísmo e do Surrealismo sobre o Cubismo. As duas escolas substituídas (Surrealismo Abstrato e Cubismo) envolviam estilos altamente intelectuais com pouco apelo aos amantes de arte mais comuns. Pop Art possui muitas das características do Dadaísmo e do Surrealismo, utilizando muitas de suas técnicas, como as colagens de Kurt Schwitters, os readymades de Marcel Duchamp, as imagens icônicas de René Magritte e as impertinentes criações de Salvador Dalí.
Enquanto o Surrealismo era essencialmente internalista e escapista na natureza, o Pop Art era definido por forças consumistas externas, mas ambos tinham a necessidade de criar um forte impacto visual no público.
Outro artista que pode ter influenciado o Pop Art é Edward Hopper, um pintor realista da América. Embora seu estilo de pintura fosse muito diferente da maioria dos trabalhos da Pop Art, suas imagens simples de cenas do cotidiano americano eram muito conhecidas da geração pop e podem ter influenciado suas pinturas.

História

A Pop Art britânica surgiu a partir da criação do Independent Group – um círculo informal de artistas, que incluía o pintor Richard Hamilton, o curador e crítico de arte Lawrence Alloway e o escultor Eduardo Paolozzi, que costumavam se encontrar no Instituto de Artes Contemporâneas, em Londres.
Desde o primeiro encontro, em 1952, quando Paolozzi apresentou um grande número de colagens, montadas a partir de recortes de revistas e outros “objetos encontrados”, incluindo sua (agora) celebrada colagem intitulada “I was a Rich Man’s Plaything” (criada cinco anos antes, em 1947), suas discussões se centraram ao redor do valor artístico e da relevância da cultura popular de massa.
Quatro anos depois, em 1956, outro membro do grupo, Richard Hamilton, produziu sua colagem “Just what is it that makes today’s homes so appealing?”, que, junto com a colagem de Paolozzi de 1947, é tida como um dos primeiros exemplos do Pop Art britânico.
Em 1961, vários trabalhos no estilo Pop Art de Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj e Peter Phillips foram exibidos na Young Contemporaries Exhibition. Em 1962, mais publicidade foi dada ao Pop Art britânico, quando a BBC exibiu o filme “Pop Goes the Easel”, um filme de Ken Russell, que explorava o novo movimento na Inglaterra.

América

Enquanto isso, na América, em meados dos anos 1950, o mundo da arte estava sendo abalado por uma série de artistas ligados a pequenos movimentos, muitos dos quais estavam incorporando elementos da cultura de massas em seus trabalhos. Eles queriam que sua arte fosse muito mais inclusiva do que os estilos tradicionais (como o Expressionismo Abstrato), então passaram a utilizar materiais não artísticos, e focaram em assuntos ordinários e fáceis de serem reconhecidos, que expressavam a cultura popular do cotidiano.
Entre este surto de inovação, o trabalho de Robert Rauschenberg, Ray Johnson e Jasper Johns estava começando a impactar no importante cenário artístico de Nova York. Eles abriram toda uma nova gama de novos assuntos a serem abordados: Johns, com suas pinturas de bandeiras, alvos e números, assim como suas esculturas de objetos como latas de cerveja; Rauschenberg, com suas colagens e assemblagens, e “pinturas combinadas” (onde uma tela pintada é combinada com vários objetos ou imagens fotográficas), com animais de pelúcia, garrafas de Coca-Cola e outros itens; Johnson com suas colagens de James Dean, Shirley Temple e Elvis Presley. Outros pioneiros que influenciaram o Pop Art foram o compositor John Cage (um influente professor no Black Mountain College, na Carolina do Norte) e o artista performático Allan Kaprow.
Essa onda de um novo pensamento por um interesse renovado em anteriores movimentos de vanguarda, como o Dadaísmo e o Surrealismo, cuja vitalidade foi reforçada pela influência, se não pela própria presença de ex - Dadaístas e Surrealistas, como Marcel Duchamp, Max Ernst e outros artistas locais, como Joseph Cornell. Apesar disso, é importante mencionar que, embora os artistas americanos de vanguarda desse período (especialmente Rauschenberg) tenham sido bastante influenciados pelos europeus (como Duchamp e Schwitters) no estabelecimento de algumas técnicas (como a colagem), seu único foco era produzir uma arte que refletisse a realidade da América contemporânea.
No início dos anos 1960, um grupo de artistas começou a ganhar fama através de exibições em locais como Nova York e Los Angeles, tendo vários deles utilizado técnicas comerciais de impressão (como a serigrafia) para criar sua arte, em vez de usarem técnicas tradicionais de pintura. Esse novos talentos incluíam: Jim Dine, Robert Indiana, Alex Katz, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann e Andy Warhol. Vários trabalhos, que mais tarde se tornariam ícones, foram exibidos pela primeira vez. Eles incluíam os quadrinhos de Lichtenstein, as pinturas em silkscreen de Marilyn Monroe e a lata de sopa Campbell de Warhol e os monumentais hambúrgueres e sorvetes de vinil de Oldenburg.
Estranhamente, até o final de 1962 ou início de 1963, esses artistas ainda eram rotulados pelos críticos como Novos Realistas, ou termos semelhantes. Assim, duas mostras de arte importantes realizadas no outono de 1962, uma com curadoria de Walter Hopps, no Pasadena Art Museum e a outra na Sidney Janis Gallery, em Nova York, receberam o nome de “A Nova Pintura de Objetos Comuns” (Pasadena) e “Novo Realismo” (Nova York). Apenas mais tarde o termo Pop Art passou a ser usado com um nome técnico para o movimento, em parte devido ao desconforto dos críticos com o termo Realista, e em parte devido à presença de Lawrence Alloway em Nova York, que agora era curador do do Guggenheim Museum, e que defendia a adoção do termo.
De 1963 em diante, o Pop Art se espalhou pela América e, com a ajuda de artistas britânicos, se estabeleceu no continente. A ascensão do movimento foi ajudada pelo crescimento paralelo em outras áreas. Na economia, através do crescimento da economia mundial em geral e da economia americana em particular; na ciência, através da popularização da televisão, na música contemporânea (que acabou se tornando conhecida como “Pop”), através da miniaturização do rádio, aumento da produção de discos, aparição de grupos como os Beatles e o fenômeno da psicodelia; e, por último, um mercado de arte em expansão.
Ao final dos anos 1960, Andy Warhol ganhou fama e notoriedade, assim como suas icônicas obras de celebridades, seus filmes conceituais, seu método de arte cada vez mais elegante, e sua autopromoção – pelo menos até ser baleado e seriamente ferido em 3 de junho de 1968. Roy Lichtenstein também se tornou um nome familiar, através de suas tirinhas e suas prestigiadas retrospectivas nos dois lados do Atlântico. Enquanto isso, Rauschenberg foi premiado na Bienal de Veneza de 1964, e manteve sua reputação de vanguardista ao ajudar a formar o EAT (Experiments in Art and Technology) em 1966, para aumentar a colaboração entre artistas e engenheiros, enquanto Johns manteve seu alto padrão, ganhando o primeiro prêmio na Bienal de São Paulo de 1967.
Talvez inevitavelmente, depois de ter resistido à conformidade da década de 1950, e o pânico da Crise dos Mísseis Cubanos (1962), o Pop Art americano atingiu o seu pico durante a segunda metade da década de 1960, apenas para encontrar-se infectado e minado pela angústia da Guerra do Vietnã, e o correspondente aumento do antiamericanismo

Inglaterra

Apesar de ser menos audacioso, menos kitsch, mais romântico e mais nostálgico do que o Pop Art americano, o Pop Art britânico durante o início e a metade da década de 1960 foi fortemente influenciado pela cultura pop norte-americana. Foi durante esse período que a Inglaterra passou a importar vários programas de televisão americanos, assim como outros elementos da vida americana, como bares de hambúrguer e outras lojas de fast food. Como resultado, os artistas passaram a utilizaram imagens americanas como inspiração, apesar de terem uma forte inclinação britânica. Por outro lado, a indústria de propaganda britânica era muito menos desenvolvida, o que impedia que os artistas britânicos usassem técnicas que já eram bem estabelecidas em Nova York (como a serigrafia) e os forçava a utilizar técnicas mais antigas.

Europa

A cultura americana popular não se espalhou com tanta facilidade pela Europa, devido ao idioma e à política. Em Paris, ainda em dúvida quando ao recente status de Nova York como o novo centro mundial de arte, a cultura pop americana era mais tolerada do que celebrada. Além disso, a vanguarda francesa – talvez devido ao seu enraizado Partido Comunista – tinha um gosto mais político e assim tomou uma linha mais Dadaísta, encorajando a participação da audiência em suas performances de arte conceitual, que era nomeada Nouveau Realisme (Novo Realismo).
Os principais artistas pop franceses ou novos realistas foram: Yves Klein, François Dufrene, Matial Raysse, Jacques de la Villegle, Jacques Monory, Alain Jacquet e Jean Tinguely.
Na Itália, sendo menos politizada (apesar de ter um Partido Comunista ainda maior), permaneceu mais aberta às possibilidades artísticas do Pop Art. Inclusive, foi um grupo italiano, composto por Jonathan De Pas, Paolo Lomazzi e Donato d’Urbino que criou o Joe Sofa (1971), um sofá que lembrava uma gigantesca luva de baseball.

os objetivos, a filosofia e os métodos do pop art *
Nenhum movimento artístico internacional que dura por mais de quinze anos e abrange todos os tipos de arte, gêneros e tipos de mídias, assim como cria inteiramente novas formas de arte, pode ser compreendido em poucas palavras. Mesmo assim, não é possível compreender o Pop Art sem levar em conta os seguintes conceitos que ajudam a caracterizar o seu núcleo

Significado imediato

A ideia básica por trás do Pop Art era criar uma forma de arte com significado imediato. Isto estava em nítido contraste com o super intelectualismo do Expressionismo Abstrato, como suas telas esotéricas, tão amadas por profissionais da arte. Para alcançar seu objetivo de significado imediato, os artistas experimentavam novos processos comerciais, como a pintura acrílica, colagem em telas usando materiais que não eram normalmente associados com a pintura, e a serigrafia. Além disso, as imagens e o esquema de cores da maioria das pinturas e esculturas eram tirados de elementos facilmente reconhecíveis, como bens de consumo, desenho publicitário, revistas, televisão, filmes, desenhos animados e revistas em quadrinhos. Pessoas e objetos eram apresentados em cores brilhantes e alto contrastantes, enquanto as composições eram tipicamente muito simples e visualmente apelativas ao público em geral.

A arte pode ser feita a partir de qualquer coisa

Até o século XX, as pinturas tradicionais eram normalmente feitas com tinta a óleo, esculturas eram feitas em bronze, rochas ou madeira. Além disso, os assuntos eram tipicamente aqueles considerados dignos de tratamento estéticos: o nu humano, a face humana, as paisagens clássicas. Mesmo o Cubismo, apesar da sua natureza revolucionária, possuía muitas dessas convenções artísticas. Então veio a Primeira Guerra Mundial e o movimento anti-artístico conhecido como Dadaísmo. Esse movimento iniciou a ideia e que a arte pode ser criada a partir de qualquer tipo de coisa, incluindo os mais banais materiais do cotidiano. Os artistas pop mantiveram e desenvolveram essa ideia. Eles presentearam o mundo moderno da cultura popular com qualquer material que julgavam apropriado, não importando o quão trivial ele fosse. *

A ideia é mais importante que a arte em si

Até o Dadaísmo, a característica essencial das belas artes era o trabalho em si – a pintura, a escultura, a gravura, ou o que fosse. Sem um “trabalho de arte”, não havia nada. Toda a atenção estava focada na qualidade do produto terminado e nas habilidades necessárias para produzi-lo. O Dadaísmo se rebelou contra isso, celebrando a ideia da “ideia por trás do trabalho de arte” acima da arte em si. Muitos artistas pop continuaram essa ideia de arte conceitual. Eles colocaram mais importância no impacto do trabalho, e menos importância na realização do mesmo. Como o uso de materiais baratos, essa ênfase no conceito e no impacto do trabalho era interpretada como uma tentativa de desmascarar a seriedade do mundo da arte. Isso era em parte verdade: alguns artistas pop realmente compartilhavam das ideias anti-artísticas e anti-estética dos Dadaístas. No entanto, a maioria dos artistas pop era mais positiva e mais preocupada em criar novas formas de expressão, usando novos métodos, do que em denegrir a tradição.

Um estilo de arte mais relevante e mais inclusivo

Não importa o quão primorosamente concebidos e pintados, e o quão bem recebidos por influentes críticos de arte, os trabalhos monumentais do Expressionismo Abstrato eram desconhecidos da maioria do público. Em contraste, quase todo mundo reconhecia Elvis Presley, Marilyn Monroe e várias outras celebridades, assim como as populares comidas e outras marcas de produtos que rapidamente se tornaram o assunto principal do Pop Art. Assim, desde o estágio inicial, o Pop Art declarou sua intenção de rejeitar o caráter elitista da arte tradicional em favor de desenhos populares e assuntos bem conhecidos.
Para a maioria das pessoas do final dos anos 1950 e início dos anos 1960, uma ida a um museu era um tedioso passeio por fileiras de pinturas obscuras, sendo a maioria não compreendida ou divertida. Tipicamente, a maioria dos trabalhos famosos (e os artistas que os criaram) não podia ser apreciada simplesmente olhando para eles, mas requeriam um estudo do guia do museu. O Pop Art abriu o mundo da pintura e da escultura para pessoas que, talvez pela primeira vez em suas vidas, puderam imediatamente entender e apreciar a arte que estavam vendo. Eles podiam não gostar, mas não se sentiam intimidados por uma imagem a qual podiam se relacionar. Nesse sentido, o Pop Art tornou os museus e as galerias mais relevantes para o público em geral.

Espelhando-se na sociedade

Diferente do Dadaísmo, cujo objetivo era subverter e minar os valores de uma instituição burguesa, aos quais atribuíram a carnificina da Primeira Guerra Mundial, o Pop Art buscou refletir os valores sociais e o ambiente a partir do qual surgiu. Assim, os artistas focaram nas preocupações divididas pela maioria dos consumidores americanos: comida, carros e romance. Isso era alcançado utilizando imagens prepotentes ou satíricas, com forte impacto visual. E se eles fossem criticados por estar se preocupando com esse assunto, eles poderiam simplesmente dizer que estavam se espelhando na natureza, ou no caso, se espelhando na sociedade moderna.

* tendências PÓS-MODERNISTAS

O Pop Art começou de forma pitoresca, se distinguindo principalmente pela nova gama de temas populistas, que esperava transmitir uma realidade mais relevante e atual. Depois disso, gradualmente se tornou mais preocupado, não em retratar a realidade, mas em gerar impacto. Essa tendência, que quase sempre leva a uma confusa linha entre a arte e uma simples demonstração – entre algo belo e o mero entretenimento - é a marca da arte pós-modernista. Por esse motivo, o Pop Art pode ser considerado o primeiro movimento a progredir além do Modernismo. Na verdade, os artistas pop dos anos 1960 abriram caminho para o Fotorrealismo e mais tarde para a Britart e outros estilos contemporâneos similares que surgiram nas décadas seguintes. Eles também abriram caminho para projetos de construção pós-modernistas, que reumanizaram significativamente a arquitetura americana.

pRINCIPAIS ARTISTAS

Peter Blake

Um dos principais representantes britânicos da Pop Art, Peter Blake nasceu em 1932 e estudou artes na Gravesend Art School, como desenhista técnico. Teve os estudos interrompidos para servir a aeronáutica britânica, mas regressou aos estudos posteriormente na Royal College of Art, onde teve contato com alguns artistas que o aproximaram da Pop Art. Em 1955 criou uma das grandes obras do Pop Art: On the balcony. Essa peça mostra várias imagens que facilmente são interpretadas como uma colagem, porem a obra toda foi pintada a óleo.
Seu trabalho persistiu se demonstrando dessa maneira, com profundo interesse na Pop Art e é o que o levou a fazer diversas capas de discos dos artistas da época, inclusive a tão cultuada capa do disco Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles.
Peter Blake foi premiado diversas vezes por sua arte, foi nomeado comendador do Império Britânico (1983) e recebeu o título de cavaleiro (2002).
Aos 81 anos, continua promovendo exposições de suas obras, principalmente no Inglaterra.

Wayne Thiebaud

Wayne Thiebaud teve uma carreira muito sólida nas artes, mas o fato de ele ter sido ou não um representante da Pop Art é algo questionado até os dias de hoje. Ainda assim, seu nome continua um dos mais citados entre os artistas desse movimento, principalmente por seu estilo.
Thiebaud começou sua carreira como artista gráfico ainda jovem, como desenhista gráfico dos estúdios de Walt Disney. Em 1956 foi para Nova Iorque, onde foi influenciado por artistas como Franz Kline, De Kooning, Barnett Newman e Thomas Hess entre outros.
Em grande maioria, suas obras apresentam um padrão que posteriormente influenciou a arte publicitária: um fundo neutro, azul claro ou branco e a disposição de produtos (num geral, alimentos, produtos de beleza ou roupas) ou mesmo pessoas apresentados estáticos.
Mesmo sendo contemporâneo e dividindo muito de seus elementos, Wayne era avesso a Pop Art e se considerava um pintor comum.

Roy Lichtensten

Este foi um dos maiores nomes da Pop Art. Lichtensten usou dos clichês dos quadrinhos para criar suas obras, sempre retratando momentos de tensão com imagens extremamente coloridas e com o constante uso de pontos bem espaçados para o plano de fundo, sendo essa uma de suas maiores marcas registradas.
Nascido em 27 de outubro de 1923, Roy se interessou por arte quando ainda era adolescente. Estudou durante a juventude estilos como realismo, mais tarde estudou artes na Universidade de Ohio, estudo qual foi interrompido pois teve que servir o exercito na segunda guerra mundial. Ao regressar, finalizou os estudos e conseguiu um mestrado, chegando até a lecionar por um pequeno período na Universidade de Ohio.
Como artista, começou a expor suas artes na década de 40, porém só nos anos 60 se interessou pelo movimento da Pop Art, porém trouxe várias propostas inovadoras, utilizando de histórias em quadrinhos para representar cenas clichês ou absurdas. Seu estilo acabou influenciando muito a publicidade e os próprios artistas de HQ com suas criações.
Faleceu em 29 de Setembro de 1997 devido a complicações de pneumonia.

Jasper Johns

Jasper Johns nasceu em 1930 e desde criança se interessava por desenhos e arte. Frequentou por três semestres a Universidade da Carolina do Sul onde foi influenciado por seus professores a se mudar para Nova Iorque, aos 18 anos. Lá teve contato com a arte contemporânea a sua época. Serviu a guerra na Korea, mas quando retornou aos Estados Unidos criou laços de amizade com Robert Rauschenberg, também artista de sua época e que lhe ajudaria a se desenvolver como pintor.
Jasper Johns era, em teoria, um pintor de expressionismo abstrato, porém ficou mundialmente conhecido como um dos fundadores do movimento da Pop Art, sendo um dos primeiros a aplicar seus principais elementos em suas pinturas (seus quadros mais famosos se baseavam em versões alternativas da bandeira americana, alterando as cores ou formato).
É considerado um dos pintores mais importantes da história por ter revolucionado a arte com seu estilo.

Robert Rauschenberg

A história de Rauschenberg se assemelha muito a de Jasper Johns, de quem inclusive foi amigo.
Nascido em 22 de outubro de 1926, estudou artes nos Estados Unidos e, posteriormente, na França. Também serviu o exercito americano na guerra e ao retornar se dedicou a arte. Rauschenberg, assim como Jasper Johns, se encontra num momento peculiar da história: para alguns, ainda era remanescente do dadaísmo, mas para muito também foi um dos fundadores da Pop Art, isso por conta de seu estilo.
Suas artes se baseavam em colagens ou pinturas, sempre retratando algum ou vários itens do cotidiano e principalmente personalidades da época. Estas colagens, por vezes, saíam do aspecto de pinturas e tinha objetos também colados nas telas ou muitas camadas de colagens que geravam um alto relevo. Também foi autor de várias esculturas.
Faleceu em 2008, vítima de parada cardíaca após tomar a decisão de desligar os equipamentos médicos que o mantinham vivo.

Andy Warhol

De fato, Andy Warhol é o nome mais popular do movimento da Pop Art. Isso porque, diferente de vários outros do mesmo movimento, Warhol empregou este como um estilo de sua vida e o levou para vários outros meios em que não era tão familiar.
Andrew Warhola (nome de batismo), nascido em 6 de Agosto de 1928 em Oakland, Pennsylvania, EUA, sofria de desordens neurológicas quando criança e encontrou conforto em revistas e histórias em quadrinhos. Quando cresceu, se mudou para Nova Iorque e se formou designer na Universidade de Cernegie Mellon.
Em Nova Iorque seu trabalho foi sempre concorrido entre diferentes revistas e mesmo como desenvolvedor de fachadas para lojas de departamento. Após contribuir tantos anos como artista gráfico, passou a se dedicar a pintura em 1950, tendo sua primeira exposição em 1952.
Mas foi a partir da década de 60 que os trabalhos mais icônicos de Warhol passaram a surgir e sua conexão com a Pop Art se tornou sólida. Suas criações continham a essência do estilo, sempre evidenciando o popular e corriqueiro. Quando questionado sobre qual foi a inspiração para pintar sua mais famosa pintura, Campbell’s Soup, Andy confirmou que “[...] queria pintar o nada. Estava procurando algo que tivesse a essência do nada[...]”
A importância de Andy para o movimento do Pop Art não se dá meramente a suas pinturas, mas também ao fato de ele ter levado seu estilo a diversos outros meios, tendo criado diversos filmes e se envolvido amplamente com o mundo da música, administrando bandas e até mesmo compondo em determinado momento.
Em 1968 Warhol foi baleado por Valerie Solanas, uma ativista feminista que alegou querer roubar os trabalhos de Andy. Mas mesmo com o atentado, Andy continuou se dedicando as artes durante muitos anos, mesmo não mais gozando de uma vida saudável.
Em 1987 passou por uma cirurgia na vesícula biliar e faleceu enquanto repousava.

PRINCIPAIS OBRAS DO POP ART

Andy Warhol

Figura 1: Campbell's Soup (1962)

Figura 2: Coca-Cola (1962)

Figura 3: Marilyn Monroe (1967)

Figura4: Capa do disco Velvet Underground e Nico (1967)

Peter Blake

Figura 5: Circus (1950)

Figura 6: On the Balcony (1955)

Figura 7: The Beatles (1962)

Figura 8: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles. (1967)

Wayne Thiebaud

Figura 9: Pies, Pies, Pies (1961)

Figura 10: Coloma Ridge (1968)

Figura 11: Men Sitting (1964)

Figura 12: Hill Street (1981)

Roy Lichtenstein

Figura 13: Crying Girl (1963)

Figura 14: M-Maybe (1965)

Figura 15: The Red Horseman (1974)

Figura 16: Bedroom in Arles (1992)

Jasper Johns

Figura 17: Flag (1955)

Figura 18: Três Bandeiras (1958)

Figura 19: Falsa Partida (1959)

Figura 20: As Quatro Estações (1986)

LIVRO OBJETO

Proposta

A proposta do livro objeto foi criar uma obra – uma tela – nos mesmos moldes de uma obra da época do Pop Art, utilizando os mesmos métodos e ideias, porém, utilizando um tema atual.
Para isso, foram escolhidas duas personalidades símbolos da cultura pop atual: Lady Gaga e Miley Cyrus, que, além de fazerem sucesso com sua música, o fazem com sua imagem e tem grande influência sobre o público, tal como as celebridades da época do Pop Art.
Estão presentes na obra todas as principais características do Pop Art: a crítica à cultura de massa, o uso de elementos da cultura popular, o significado imediato, a utilização de materiais simples e baratos e um estilo de arte mais inclusivo.

Método

O método utilizado para a confecção da tela foi a serigrafia. Serigrafia ou silk screen é um processo de impressão no qual a tinta é vazada pela pressão de um rodo ou puxador através de uma tela preparada, que normalmente é de seda, náilon ou poliéster, esticada em um quadro de madeira, alumínio ou aço.
O processo acontece da seguinte maneira: primeiro devemos preparar nossa matriz (tela), que é parecido com uma moldura de quadro, onde nela estará esticada nossa trama, feita de náilon ou seda. Em seguida, utilizamos dois produtos químicos, a emulsão e o sensibilizante iniciando a gravação que se dá por um processo fotossensibilizante. Com a mistura exata de emulsão e sensibilizante, revestimos a tela.

Com a tela preparada, o fotolito (a arte) é grudado com fita adesiva na tela, sendo este conjunto matriz preparada+fotolito colocado sobre uma mesa de luz, onde expostos à luz farão a gravação.
Após a gravação, a tela recebe um leve jato de água, os pontos escuros do fotolito vão desgrudar da tela correspondendo aos locais que ficarão vazados nela, permitindo a passagem da tinta pela trama do tecido, e os pontos claros (onde a luz passará pelo fotolito atingindo a emulsão) são impermeabilizados pelo endurecimento da emulsão foto sensível que foi exposta à luz. Estas permanecerão na tela.

REFERÊNCIAS BIBLIOGRAFICAS

http://www.independentgallery.co.uk/en/pop/ (Acessado em 17/05/2014)

http://www.arthistory.net/artstyles/popart/popart1.html (Acessado em 17/05/2014)

http://arthistory.about.com/od/modernarthistory/a/Pop-Art-Art-History-101-Basics.htm (Acessado em 17/05/2014)

http://www.historiadaarte.com.br/linha/pop.html (Acessado em 17/05/2014)

http://www.artyfactory.com/art_appreciation/art_movements/pop_art.htm (Acessado em 17/05/2014)

http://smarthistory.khanacademy.org/pop-art.html (Acessado em 17/05/2014)

http://www.writedesignonline.com/history-culture/pop.htm (Acessado em 17/05/2014)

http://www.cam.gulbenkian.pt/index.php?article=61704&visual=2&langId=1 (Acessado em 13/05/2014)

http://en.wikipedia.org/wiki/Peter_Blake_(artist)#Bibliography (Acessado em 13/05/2014)

http://www.artnet.com/artists/wayne-thiebaud/ (Acessado em 13/05/2014)

http://arteseanp.blogspot.com.br/2012/01/wayne-thiebaud-pop-art.html (Acessado em 13/05/2014)

http://www.biography.com/people/roy-lichtenstein-381678#awesm=~oFk30Yc7by2WBX (Acessado em 25/05/2014)

http://loucosporartcn1001.blogspot.com.br/2012/06/principais-artistas-e-obras.html (Acessado em 12/05/2014)

http://virgula.uol.com.br/album/diversao/conheca-as-principais-obras-de-andy-warhol (Acessado em 12/05/2014)

http://arteseanp.blogspot.com.br/2011/12/sir-peter-thomas-blake-pop-arte_19.html (Acessado em 13/05/2014)

http://glamurama.uol.com.br/artista-plastico-peter-blake-completa-80-anos-com-exposicao-na-inglaterra/#11 (Acessado em 13/05/2014)

http://5areligiaoemitologiaegipcia.blogspot.com.br/2009/11/obras-de-wayne-thiebaud.html (Acessado em 13/05/2014)